Африканская культура во всех своих проявлениях стала неотъемлемой частью современного глобализированного общества. Интерес к тропическим африканским регионам (Чёрная Африка) возник ещё во времена великих географических открытий.

Но если сначала европейца волновали природные и человеческие ресурсы, то к концу XIX века на первый план выходит стремление познать мир архаики с его эстетикой и инаковостью. Благодаря скульптурам и маскам Африки и Полинезии сложилось новое представление о «прекрасном», что послужило основой для формирования первой волны авангарда.

Архаика буквально взорвала европейское общество, уставшее от буржуазно-цивилизационных норм и рамок, обогатив и изменив современное восприятие искусства. Однако наряду с бурным интересом к традиционным обществам началось активное внедрение и европеизирование последних.

Богатейшее наследие африканской пластики стало достоянием коллекционеров, а отсутствие письменных источников, которые бы могли сохранить основу и суть ритуала, создавали лакуны в понимании африканцами своих корней.

Уже к началу XX-го века многие народы Африки утратили значительную часть своих[ традиций, а деревянные маски и скульптуры из-за недолговечности материала на протяжении столетий видоизменялись. Тем не менее, некоторые элементы дошли до наших дней и трансформировались в так называемое искусство на продажу, ставшее популярным в середине XX-го века и окончательно уничтожившее религиозное, сакральное начало.

Африканская пластика в коллекции Одесского музея западного и восточного искусства представлена экспонатами, привезёнными одесскими моряками в 70-80-х годах XX века. Это время, когда скульптура данного континента активно претерпевает влияние европейского вкуса.

Искусство африканских народов становится продуктом экспорта. Ритуал всё меньше играет роль в создании того или иного объекта искусства, а рядовой африканец практически повсеместно теряет связь со своей религией.

Условно африканскую пластику можно разделить на четыре категории: 1) ритуальную скульптуру, непосредственно используемую в ритуале; 2) скульптуру, сохранившую традиционные элементы; 3) скульптуру на продажу, но с высоким качеством резьбы; 4) скульптуру на продажу низкого качества.

Музейные экспонаты мы можем отнести к третьей категории, но, несмотря на направленность изделий, некоторые из них представляют большой интерес как с точки зрения развития традиционного искусства, так и с точки зрения художественной ценности.

Самыми яркими экспонатами являются скульптуры народа маконде, проживающего на территории Восточной Африки (Мозамбик, Танзания). Они одними из первых сумели не просто приспособиться к европейскому вкусу, а породить уникальный продукт, сочетающий африканскую и европейскую эстетику.

Скульптура маконде берёт начало в далёком прошлом этого народа, и практически каждый из племени является резчиком. Это связано с обрядом инициации маконде: в ходе ритуала юношей и девушек раздельно отдавали на несколько месяцев в своеобразную школу-интернат, где они получали от старших наставления, выраженные в песнях, танцах, сказках.

В конце обучения проводился экзамен на зрелость: перед «выпускником» ставили различные по композиции, содержанию и тематике деревянные или глиняные фигурки, смысл которых ему надлежало распознать и публично объяснить.

Также в основе мифологии маконде лежит легенда о том, что первые люди маконде произошли из союза первочеловека и ожившей скульптуры, которую он вырезал, и которая, в свою очередь, преобразила первочеловека: он стал мыться, носить одежду и заниматься земледелием.

Маконде были первыми, кто обратился к жанровой тематике и создали уникальные и очень выразительные образы африканцев. «Сидящий старик» и «Стоящий старик» – яркий пример реалистичности и экспрессии скульптуры маконде. Здесь нет желания упростить и свести фигуры к полной стилизации, статичность стариков кажется лишь внешней, они словно наполнены жизнью. Выражения лиц стариков крайне эмоциональны и выразительны.

Вообще скульптурное изображение в Африке изначально носило анимистический характер – изображался умерший предок, который нашёл своё воплощение в деревянной скульптуре. То есть скульптура считалась живой и даже имела определённые нужды и права, она не должна была означать предка, она должны быть предком.

К середине XX века маконде разработали новую иконографию, среди которой в коллекции представлен образ злонамеренного демона шетани и скульптурной композиции «димоонго».

Шетани или шкодливый дух маконде, чаще всего напоминает фантастическое или скорее сюрреалистическое существо с искажёнными зооморфными и антропоморфными частями тела, и его возникновение связывают с вирусными заболеваниями в Восточном регионе Африки.

Возникновение образа демонов шетани – это пример того, насколько религиозное представление маконде подвижно и связано с их повседневностью.

Одним из певцов шетани стал танзанийский художник Джорж Лиланга. Он ввёл демона в массовую культуру, сочетая традиции своего народа со стилистикой поп-арта, популяризируя его на Западе.

Блестящим примером мастерства маконде служит композиция «димоонго», её ещё называют «Дерево жизни» из-за вытянутой конструкции, состоящей из человеческих фигур, словно стоящих друг на друге.

В оригинале «димоонго» представляла победителя в соревновании по борьбе, которого несли на плечах товарищи, автором его являлся скульптор Роберто Якобо Сангвани (Танзания, Мозамбик).

Таково начало направления «димоонго». В поздних версиях группу фигур коронует женская фигура и, скорее всего, с этим связано название «Древо жизни» – древний архетип всех народов. «Димоонго» или «Дерево жизни» может достигать двух метров в высоту.

Скульптурная композиция достаточно сложна и представляет огромное семейство в лице предков и потомков, из поколения в поколение соединённых друг с другом и окружающих семейного первопредка, Эта скульптура символизирует единство и непрерывность рода.

Ещё одним интересным экспонатом из музейной коллекции является подражание маске народа гуро (Кот-д'Ивуар). Это улыбающееся лицо иногда со звериным навершием. Маска типа Zaouli, связана с народным ивуарским танцем и изображает красивую девушку.

По легенде девушка Зауле вдохновила резчика на создание этой маски. Танцор, исполняющий танец чаще всего мужского пола, но исходя из африканских верований – надевший ритуальную маску становиться существом, которое маска изображает.

Каждая деревня гуро имеет свего местного танцора Zaouli, который исполняет этот танец во время похорон или свадеб. Вначале начинается музыкальный проигрыш, музыканты и певцы как бы «вызывают» танцора Zaouli своей музыкой.

Сам танцор в маске, укутанный накидкой, появляется немного позже, вступая в круг, который образовывают музыканты. Движения танца очень ритмичны, задействованы, в основном, ноги, на которых красуются цветные штаны.

Маска, которую носят танцоры, изготовлена в ярких цветах, при этом она обладает изящными тонкими чертами, поскольку является воплощением женской красоты.

Музейная маска монохромна и крайне стилизована, тем не менее, она сохраняет основные черты Zaouli.

Несмотря на то, что африканская коллекция Одесского музея западного и восточного искусства состоит из экспонатов второй половины ХХ века, они обладают оригинальностью идеи, новаторством и сочетанием с традицией, красотой форм и качественным исполнением.

А.А. Фролкова, старший научный сотрудник Одесского музея западного и восточного искусства