История садово-паркового искусства начинается из глубины веков. Основы были заложены еще в Древнем Египте, Греции, арабских странах.

Для Греции, например, была характерна полная слитность городов с природой, с ландшафтом. Удивительно гармонично существовали с природой и люди.

Первая концепция регулярного парка была разработана лишь в эпоху Возрождения итальянским архитектором Джакомо да Виньола.

Настоящая эпоха расцвета паркового строительства связана с эпохами барокко и классицизма. В России сады и парки европейского образца появились уже в 17 веке.

Проектированием парков были заняты крупнейшие архитекторы Барталомео Растрелли, Жан-Батист Леблон, Чарльз Камерон, Пьетро Гонзаго, который считал, что сад должен читаться как роман.

К концу XIX века творческий потенциал садового искусства в Европе и России был почти исчерпан. Как следствие - чрезвычайно активизировался интерес к изучению истории знаменитых садов и парков.

Владимир Курбатов в 1916 году в своей книге «Сады и парки. История и теория садового искусства» писал: «Сад - это лучшее, что сумело создать человечество со времен изгнания Адама и Евы из Рая; сад - это попытка вернуть среде обитания человека черты небесной гармонии».

Стремление к красоте, к воссозданию по её законам идеального пространства, было одним из важных мировоззренческих установок эпохи символизма, охватывающей период с 1880-х по 1910-е годы.

В искусстве этого периода, так называемого Серебряного века, лейтмотив сада (парка) выступал прообразом Эдема - цветущего и благоухающего Райского сада, возможность утраты которого ощущалась в этот насыщенный катаклизмами и разрушениями короткий отрезок времени остро, как никогда.

Рукотворный сад (парк) – это произведение искусства, но не застывшее, а живое, развивающееся, видоизменяющееся. Это синтез архитектуры, ландшафтного дизайна, скульптуры, гидротехнических сооружений.

Важнейшими составляющими любого сада (парка), помимо ландшафта являются беседки, павильоны, гроты, естественные или искусственные водоемы, фонтаны.

Дворцовые комплексы не мыслимы без сада и занимающего в нем центрального место фонтана. Картина Александра Гауша «Фонтаны» сюжетно связана с темой придворных праздников. В этой праздничной композиции фонтан воспринимается, как источник радости, вечной молодости и полноты жизни.

Неотъемлемой частью садово-паркового искусства был цветник, который в изобразительном искусстве Серебряного века становится порой символическим замещением сада, как например, цветущий куст шиповника в картине Николая Сапунова «Цветы шиповника».

Художник очарован необычной естественностью и простотой этой красоты и откликается на неё тонкостью колорита, свободой и красотой письма. Образ говорит о пантеистическом мироощущении художника, раскрывает всеобъемлющее восприятие Сапуновым красоты, разлитой в мире, его чувство небесной гармонии.

Символическим воплощением сада мог стать не только цветник или цветущий куст, но и букет. Композиции с цветами – одна из важных составляющих творчества Константина Коровина.

Начиная с 1910-х гг. художник начинает разрабатывать новую для себя тему вечерних интерьеров с женскими фигурами и букетами («Черемуха»). В них, не отступая от натуры, Коровин стремится наполнить образ романтическим звучанием. Художник не сосредоточивается на портретном сходстве, лица женщин даны очень обобщённо. Они – носители гармонии, они поэтизируют этот камерный мир уюта и тепла. И цветы в интерьере, составляют вместе с женскими фигурами то гармоническое целое, выразить красоту которого так стремился художник.

Один из непременных элементов садово-паркового пространства - скамейка. Этим «местам отдохновения» отводилось особое место.

Парковые сидения удовлетворяли потребность отдохнуть во время долгих прогулок, удалиться для размышления или созерцания, уединяться вдвоем или с книгой. В 1914 году Михаилом Нестеровым была написана совершенно изумительная по красоте картина – «Наташа Нестерова. (На садовой скамье)».

Колорит картины, построенный на напряженном звучании густых сине-зеленых и охристых тонов, сообщает камерному в своем решении портрету внутреннюю экспрессию. В картине неуловимо ощущается щемящее чувство любви ко всему родному и близкому художнику и боязнь потери этого привычного мира. Портрет писался в очень непростой, тревожный год, ознаменовавшийся началом первой мировой войны.

Поиски «неотцветающего сада», неувядаемой, нездешней красоты, были органичны для творчества Михаила Врубеля. Художник приехал в Киев в мае 1884 года и увидел утопающий в цветах и зелени город.

После Петербурга с его холодной возвышенной красотой, Киев казался земным раем. Отсюда, наверное, интерес художника к садово-парковому пространству и цветам, как одной из его составляющих.

Врубель страстно любил и изучал формы и характер цветов. Среди его этюдов, созданных в «киевский период», — азалии, розы, ирисы, бегонии, орхидеи.

Цветы постоянно попадают в поле его зрения, восхищают богатством цветовых оттенков, разнообразием фактур, неисчерпаемыми цветовыми комбинациями: белое, красное и синее, множество оттенков розового, зелёного. Нездешние, привезённые из Франции и Голландии орхидеи и азалии, украшавшие многие киевские дома, гармонично соседствуют с полевыми цветами – маками и васильками, барвинком.

Эхо символического сада широко отразилось и в работах Врубеля на религиозную тематику. В 1887 году А.В.Прахов предложил Врубелю исполнить для стен бокового северного предела Владимирского собора эскиз на тему «Воскресения».

В композицию, выполненную в технике акварели, помимо изображений Христа и ангелов Врубель включил фигуры спящих воинов и цветы, которые заполняют середину нижней части композиции, превращаясь в орнамент. Орнаментальность, характерная для живописи и графики Врубеля, является одним из отличительных признаков стиля модерн.

Монументальная композиция «Оранта», была исполнена в 1888 г. В ней отразились суммированные впечатления Врубеля от архитектурных памятников и древних росписей киевских храмов, в частности, от мозаики в апсиде Софии Киевской.

Оранта (по греч. – молящаяся) – канонический тип Богоматери – был творчески переработан художником. Он вводит в композицию элементы стиля модерн, которые прочитываются в орнаментально-растительных мотивах и условно-декоративном решении основных объёмов. Следуя за древними киевскими мозаиками и фресками, Врубель стилизует образ, сохраняя внутреннюю сущность первоисточника.

В композицию включено стилизованное изображение растения с лиловыми цветами. Одним из ветхозаветных образов Богородицы является неопалимая купина. В пятикнижии – это горящий, но не сгорающий терновый куст.

Но в народе неопалимой купиной называют ещё и растение семейства рутовых – ясенец, имеющее розоватые или сиреневые цветы, которое произрастает и в пойме Днепра. Возможно, для обозначения сада небесного Врубель воспользовался именно этим народным символом неопалимой купины – символом Богородицы.

Предметом пристального изучения на рубеже веков становятся старинные усадьбы, непременным элементом которых был усадебный парк. Для их создания приглашались известные садоводы и архитекторы.

Местом, вдохновившим Виктора Борисова-Мусатова на создания многих известных произведений, была усадьба «Зубриловка». На акварели «Дама на фоне Зубриловского дома» изображен усадебный дом родового имения князей Голицыных-Прозоровских.

Сады опустевших «дворянских гнёзд» стали для В. Борисова-Мусатова тем мистическим пространством, в котором продолжали обитать и хранить семейные предания души их прежних владельцев. Здесь оживают образы памяти, здесь тени предков совершают свои прогулки по саду, звучат их голоса, доносятся звуки музыки.

Для Зинаиды Серебряковой местом притяжения, идеальным пространством на протяжении многих лет становится сад в Нескучном – имении семьи Лансере.

Восхитившись садами Франции, Италии и «царственных» пригородов Петербурга, она всегда возвращалась в свой земной рай, до тех пор, пока он не был утрачен в вихре войн и революций навсегда. Уже в одном из пейзажей такого рода — «Яблоневом саду» — заметен новый подход Серебряковой к выбору мотива и его отображению.

Благодаря лаконичной и ясной композиции, изысканному цветовому решению, построенному на сочетании различных оттенков зеленого, коричневато-лиловых и белых цветов, пейзаж обретает оптимистическое звучание. Художница работала над пейзажами с натуры, которые складывались в серии, наполненные символическим содержанием.

Серебрякова, как и другие мастера объединения «Мир искусства», как никто другой ощущали конец уходящей эпохи и усадебной культуры.

Главной темой для мастеров этого крупнейшего объединения рубежа веков и близких к ним художников был диалог с прошлым. Каждый художник подходил к образу сада со своей внутренней предпосылкой, рождаемой личными жизненными обстоятельствами и индивидуальной реакцией на «сложные вопросы» искусства и бытия.

Образ сада у Константина Сомова очень разнообразен. Помимо «регулярных» он изображал и окраины «пейзажных» садов, аллегории или куртуазные ухаживания («Прогулка», «Сцена у фонтана»), для которых парк служит лишь фоном.

Парк становится у Сомова местом неудачных объяснений, нелепых поступков, прибежищем для глуповатых кавалеров и коварных красоток.

Любимой эпохой Александра Бенуа стала эпоха французского короля Людовика XIV. А любимым объектом изображения - сады и парки Версаля. Циклы работ, посвященные Версалю XVII века - резиденции Короля-Солнца - написаны на основе многочисленных натурных наблюдений.

С натуры написаны и акварели «Версаль», «Май в Версале», «Каштаны весной. Версаль», на которых изображены уголки знаменитого французского регулярного парка – «зеленое кружево» фигурных партеров, копии античных скульптур, фонтан «Пирамиды».

«Версальская серия» Александра Бенуа - возможность напомнить о том, как много поколений уже видел на своем веку Версальский парк, и тем самым сказать о бессмертии искусства и быстротечности человеческой жизни.

Садовое искусство можно сравнить с театральным действием, в котором режиссёром выступает архитектор-садовник. Это театральное действо имеет как минимум четыре акта: зима, весна, лето и осень.

Н.Е. Агеева, Киевский национальный музей русского искусства